No hace falta decirle esto a Beyoncé: la moda, cuando se utiliza adecuadamente, no es menos que arte.
Ahora, la superestrella vanguardista tendrá otra oportunidad de dejar claro su punto. Cuando copresida la Gala del Met en mayo, todas las miradas estarán pegadas a las escaleras del Museo Metropolitano de Arte para ver cómo una de las mujeres más vistas del planeta, en su octava aparición en una gala, interpreta el código de vestimenta: "La moda es arte".
El museo anunció el código de vestimenta el lunes, junto con algunos detalles relacionados con la gala, incluyendo los nombres de los nuevos invitados. A las principales copresidentas —Beyoncé, Nicole Kidman, la tenista Venus Williams y Anna Wintour de Vogue— se une un "comité anfitrión" presidido por el diseñador Anthony Vaccarello y la cineasta Zoë Kravitz, e incluye nombres como Sabrina Carpenter y Teyana Taylor, Lena Dunham y Misty Copeland. Entre las nuevas incorporaciones se encuentran la actriz Angela Bassett y la atleta Aimee Mullins.
Ellos, y todos los demás asistentes, estarán pensando qué ponerse el 4 de mayo. El código parece haber sido elegido para una máxima flexibilidad. Y, como bromea Andrew Bolton, curador del Instituto de Vestuario del Met: «Ojalá acabe de una vez por todas con el obsoleto debate de si la moda es arte».
Una mirada al «cuerpo vestido» a través de los siglos
Para Bolton, sin embargo, la exposición es lo más importante, parafraseando a Hamlet. Como saben los asistentes a la gala, la gran fiesta no solo recauda fondos para el instituto —un departamento autofinanciado—, sino que también sirve como plataforma de lanzamiento para la exposición anual de moda de primavera. Comisariada por Bolton y su equipo, la exposición de este año, «Arte del Vestuario», busca presentar la moda como un hilo conductor de toda la historia del arte.
La exposición será la más grande, en cuanto a objetos, que el instituto haya realizado jamás: casi 400 en total, o 200 prendas y 200 obras de arte de todo el museo, colocadas en pares. "Es una bestia", dijo Bolton, con aspecto algo agotado mientras guiaba a un periodista por los inicios de la exposición en una visita reciente.
La idea, señaló, es examinar el cuerpo vestido en todos sus aspectos y destacar que la moda no solo es arte —algo que desfiles anteriores han demostrado—, sino que el arte es moda. «Es una inversión de lo que hemos hecho antes», dice Bolton. «Ahora vemos el arte a través de la lente de la moda».
En la práctica, esto significa que se podría ver una obra de arte en una vitrina, por ejemplo, un jarrón de la antigua Grecia. Sobre la vitrina se exhibirá una prenda de la vasta colección de trajes del museo, que evoca la moda de las figuras de ese jarrón.
Por ahora, paredes llenas de notas Post-it
Ahora mismo, ese jarrón está representado por una pequeña instantánea a color, pegada junto a docenas de otras en las paredes de una pequeña sala de conferencias en las entrañas del museo, junto con innumerables notas adhesivas. Bolton ha pasado mucho tiempo en este espacio, que parece la habitación de un adolescente (aunque de un adolescente muy culto).
Bolton recorre las paredes, señalando cada una de las 12 secciones organizadas para mostrar la variedad de cuerpos —y tipos de cuerpos— en el arte. Algunos son omnipresentes, como el cuerpo clásico o el cuerpo desnudo.
Otros han sido pasados por alto, como el cuerpo discapacitado, el cuerpo envejecido o el cuerpo corpulento. Bolton señala que, en el arte, el cuerpo corpulento se ha utilizado casi exclusivamente como símbolo de fertilidad. «Es como la idea de que la corpulencia no existe sin la fertilidad», afirma.
Luego está el cuerpo embarazado, también muy ignorado en la historia del arte y la moda. Aquí se representa mediante la combinación de "Mujer embarazada" de Edgar Degas, una escultura naturalista que ofrece una visión poco común de la maternidad del siglo XIX, con el vestido de 1986 de la diseñadora Georgina Godley, con curvas exageradas y acolchadas, definido como una "crítica feminista radical" de la moda tradicional.
La exposición, que busca destacar la diversidad de tipos de cuerpo, también busca que los espectadores se vean reflejados en algunas de las prendas. Así, los maniquíes presentarán cabezas con superficies de acero pulido, como espejos, diseñados por el artista Samar Hejazi.
Un nuevo y llamativo hogar para la moda en el Met
Bolton, quien ha comisariado las exposiciones de vestuario más importantes del Met, afirma, no obstante, que sintió una presión especial para hacer "algo espectacular". Esto se debe a que "Costume Art" inaugura con bombos y platillos un nuevo y destacado espacio para las exposiciones de moda del museo. Las nuevas Galerías Condé M. Nast, creadas a partir de lo que antiguamente era la tienda del museo, ocuparán casi 1115 metros cuadrados (12.000 pies cuadrados) junto al Gran Salón del museo.
Por un lado, esto significará que los invitados a la gala podrán ver la exposición cómodamente y luego acceder fácilmente a la cena en el Templo de Dendur, o alternar entre ambas. Un resultado más duradero: evitará las largas filas en otras zonas del museo una vez que la exposición abra al público el 10 de mayo.
Para “Costume Art”, las galerías, aún en construcción, constan de dos salas principales con diferentes alturas: una con un techo de 5,5 metros y otra con uno de 2,7 metros. La idea es que los espectadores puedan moverse libremente entre cada espacio. "Hay una permeabilidad", dice Bolton.
Él considera que el nuevo espectáculo es ya uno de los momentos más destacados de su carrera y una declaración de intenciones.
“Intentamos dejar claro que esto es algo que Nosotros podemos hacer en el Met”, explica. “Tenemos acceso a 16 departamentos de curaduría en todo el museo”. Y, por supuesto, acceso a las más de 33.000 prendas del instituto. “Realmente, nadie más tiene esta capacidad”, dice Bolton.
Espera que la muestra inaugure no sólo nuevas galerías, sino también una era de colaboración con el resto del museo, una que ponga la moda, bueno, en primer plano.
“Costume Art” se realizará del 10 de mayo al 10 de enero de 2027.
